G.MAP·아트센터 나비 기관협력전 《코드, 하나의 캔버스: AI 시대의 창의적인 그래픽》
본문
‘코드(code)’는 라틴어 ‘코덱스(codex)’에서 유래하는데, 이는 본래 나무판에 적은 문서나 두루마리를 묶은 책을 뜻했다. 고대 로마 시대에는 법률을 문서화한 법전의 의미로 쓰였고, 중세 유럽에서는 사회적 규범과 도덕적 질서를 기록한 문서들을 일컫는 말로 확장되었다. 이처럼 코드는 처음부터 일정한 규칙과 질서를 정의하고 고정된 형태로 보존하려는 욕망과 연결되어 있었다. 19세기에는 이 단어가 암호(cryptographic code)라는 의미로 진화하면서, 군사 및 외교 통신에서 메시지를 은폐하거나 변형하는 수단으로 사용되기 시작했다. 이 시기 코드는 더 이상 단순한 규범의 기록이 아니라, 정보를 변환하고 의미를 전환하는 기술적 구조로 자리 잡게 된다. 이러한 기호의 치환 체계라는 개념은 후에 컴퓨터 프로그래밍 언어와 직접 연결되면서 20세기 중반 컴퓨터 과학의 발전과 함께 기계의 언어로 자리매김하게 된다. 초기의 컴퓨터는 0과 1로 이루어진 이진 기계어(binary machine code)로 운영되었다. 후에, 인간이 보다 쉽게 다룰 수 있도록 프로그래밍 언어들이 등장하게 되는데, 이때부터 기술적 명령의 집합이 아니라, 인간이 기계에 의미를 전달하기 위한 중간 언어, 곧 기계와 인간 사이의 새로운 커뮤니케이션 수단으로 기능하게 된다. 오늘날 코드는 단순한 프로그래밍 언어에서 세계의 작동 방식을 구조화하고, 언어와 감각을 재조합하며, 현실을 재현하거나 재구성하는 매체로 확장된다. 디자인, 건축, 예술, 문학, 인공지능에 이르기까지, 코드는 우리 삶 전반에 침투하며, 감정, 기억, 정체성 같은 내면의 문제들까지 포괄하는 문화적이고 심미적인 개념으로 변화해 가고 있다. 특히 시각예술에서는 코드가 단지 도구가 아니라 형태를 만들고, 의미를 발생시키며, 감각을 조율하는 조형 언어로 인식된다. 이러한 관점에서 볼 때, 코드는 단순히 무언가를 작동시키는 명령어에서 더 나아가 질서와 우연 사이를 가로지르며 예술의 새로운 문법을 가능하게 하는 도구이자, 감각과 사유를 엮어내는 언어가 된다.
《코드, 하나의 캔버스: AI 시대의 창의적인 그래픽》은 협력기관인 아트센터나비가 2025년 5월 주관한 국제전자예술심포지엄(ISEA)의 주제를 바탕으로, 기술과 예술의 융합적 실천을 시각예술의 영역에서 확장하고자 기획되었다. 코드가 단순한 도구를 넘어, 예술적 표현의 언어로 작동할 수 있는 가능성에 주목하며, 코드의 미학적 가능성을 다층적으로 보여주는 작가 7인의 작업을 조명한다. 전시는 두 주제로 구성된다.
첫 번째 <Form as Code>(형태로서의 코드)는 코드가 단순히 기능적 언어를 넘어, 형태를 조직하는 구조적 언어이자, 시각적 조형의 기초이며, 개념적 질서를 구축하는 예술적 문법으로 작동할 수 있음을 탐구한다. 피터 조, 밥 파우스트, 잭 리버만, 오미드 네말하빕은 타이포그래피, 제스처 기반 인터랙션, 알고리즘적 반복 구조 등 다양한 매체를 사용하여 코드가 언어의 리듬, 움직임의 문법, 이미지의 구조화에 어떻게 기여하는지를 실험적으로 보여준다. 이러한 접근은 코드의 미적 가능성을 드러낼 뿐 아니라, 기술을 미디어나 기능의 수단이 아닌 하나의 조형 언어로 확장하는 작업이기도 하다. 비가시적 코드가 예술가의 손을 거치며 어떻게 시각화되고, 의미화되며, 감각되는가를 목격하는 것이 핵심 경험이다. 프로그래밍 언어는 여기서 언어 이전의 질서와 조형 이전의 구조로 기능한다.
반면 두 번째 <The Poetic Machine>(시적인 기계)은 코드의 감각적 가능성과 정서적 확장을 중심에 둔다. 수잔 디트로이, 레나타 야니셰프스카, 카렌 라플뢰르는 생성 알고리즘, 인공지능, 모바일 장치, 디지털 드로잉 기법 등을 통해 여성성과 자아, 생태적 감수성, 우주적 시각성 등을 탐구한다. 이들의 작업에서 기술은 도구가 아니라 정서를 담는 매체, 기억을 호출하는 감각적 구조, 정체성을 반추하는 디지털 거울로 기능한다. 다시 말해, 기계는 단순히 데이터를 처리하는 계산 장치에서 벗어나, 예술가의 손을 통해 감정과 기억을 연주하는 감성적 악기로 재탄생한다.
특히 일부 작품은 제3전시실뿐 아니라 몰입형 블랙 큐브 공간인 제4전시실 및 외벽 미디어월에서도 상영된다. 이러한 공간을 활용한 전시 방식은 디지털 작업이 가진 감성의 다양한 층위와, 코드 기반 예술이 가질 수 있는 표현의 확장성을 더욱 분명하게 보여준다. 이로써 디지털 코드는 단순히 화면 속에 머무는 이미지가 아니라, 공간 전체를 채우고 관람자의 감각을 자극하며 감정에까지 닿는 예술적 경험으로 확장된다. 관객은 이러한 경험을 통해 코드가 어떻게 현실의 시공간을 새롭게 구성하고, 정서적 울림을 만들어내는 감각의 언어로 작동하는지를 몸으로 체험하게 된다
이 전시는 코드 기반의 예술 실천이 단순히 시각적인 효과를 만들어내는 기술적 수단에 머무는 것이 아니라, 우리가 사용하는 언어의 형식과 감각을 구성하는 방식 자체를 다시 생각하게 만드는 창작 행위임을 제안한다. 이는 동시대의 예술가들이 기술을 어떻게 다루고, 새로운 예술 언어를 만들어가는지를 보여주는 사례이기도 하다. 아울러 이 전시는 인간, 기계, 언어 사이의 관계를 새롭게 정의하고, 그 사이에서 생겨나는 소통과 감각의 가능성을 실험하는 장이 된다. 이런 맥락에서 우리가 코드를 ‘캔버스’로 삼을 때, 그 위에 그려지는 것은 하나의 언어이자, 조형이며, 감정이 되는 것이다.
G.MAP·Art Center Nabi Collaborative Exhibition
Code as Canvas: Creative Graphics in the Age of AI
The word “code” originates from the Latin “codex,” which originally referred to wooden tablets or bound scrolls. In ancient Rome, it came to mean a codified book of laws, and in medieval Europe, the term expanded to encompass documents recording social norms and moral orders. From its inception, then, “code” has been tied to a desire to define rules and preserve order in a fixed form. In the 19th century, the word evolved to refer to cryptographic codes, used to conceal or transform messages in military and diplomatic contexts. At this point, code was no longer just a record of norms—it had become a technical system for converting information and meaning. This notion of symbolic substitution would later connect directly to programming languages, and by the mid-20th century, code had become the foundational language of machines. Early computers operated using binary machine code composed of 0s and 1s. Later, higher-level programming languages were developed to make this process more accessible to humans. From then on, code functioned not simply as a technical instruction set but as an intermediary language between humans and machines—a new mode of communication. Today, code is more than a programming language. It structures how the world operates, recombines language and perception, and serves as a medium for reimagining and reconstructing reality. From design and architecture to art, literature, and artificial intelligence, code now permeates all aspects of life and has evolved into a cultural and aesthetic concept—one that encompasses emotion, memory, and identity. In visual art especially, code is no longer seen merely as a tool, but as a sculptural language that generates form, produces meaning, and modulates perception. In this sense, code is not just a set of operational commands but a medium that traverses between order and chance—a tool that enables new grammars of art, and a language that interweaves sensation and thought.
Code as Canvas: Creative Graphics in the Age of AI draws inspiration from the 2025 International Symposium on Electronic Art (ISEA), hosted by Art Center Nabi. Expanding the convergence of technology and art into the field of visual expression, this exhibition highlights the aesthetic potential of code by showcasing the work of seven artists who treat code as a language of artistic expression rather than a mere tool. The exhibition is structured around two themes.
The first section, Form as Code, explores how code can act as a structural language for organizing form, a foundation for visual composition, and an artistic grammar that builds conceptual order—going beyond its role as a purely functional language. Artists Peter Cho, Bob Faust, Zach Lieberman, and Omid Nemalhabib use diverse media such as typography, gesture-based interaction, and algorithmic repetition to explore how code shapes rhythm, movement, and image structure. These works not only reveal the aesthetic potential of code but also extend it into a sculptural language, rather than merely a medium of function. The viewer witnesses how invisible code is made visible, meaningful, and sensorial through the hands of the artist. Here, programming functions as a kind of pre-linguistic order and pre-formal structure.
The second section, The Poetic Machine, focuses on the sensory and emotional dimensions of code. Artists Susan Detroy, Renata Janiszewska, and Karen Lafeur explore themes such as femininity, selfhood, ecological sensibility, and cosmic vision using generative algorithms, AI, mobile devices, and digital drawing techniques. In these works, technology functions not as a tool, but as a medium that holds emotion, recalls memory, and reflects identity like a digital mirror. In other words, the machine is reborn—not as a mere calculator of data, but as a sensorial structure shaped by the artist's hand, capable of evoking memory and feeling. Some of the works are displayed not only in Gallery 3 but also in the immersive black cube of Gallery 4 and on the exterior Media Wall. These expanded spatial presentations emphasize the multilayered emotional resonance of digital work and the expressive potential of code-based art. Here, code extends beyond the confines of the screen to fill the space, stimulate the senses, and offer an emotional experience. Through these encounters, the audience physically experiences how code can reconfigure time and space and operate as a language of sensation that moves us.
This exhibition suggests that code-based art is not merely a technical tool for producing visual effects, but a creative practice that compels us to reconsider how language and perception are constructed. It is also a testament to how contemporary artists engage with technology to invent new artistic languages. At the same time, the exhibition redefines the relationship between humans, machines, and language, serving as a site of experimentation where new modes of communication and perception can emerge. In that context, when we treat code as a canvas, what is drawn upon it becomes a language, a form, and an emotion.
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